Historia

Es curioso ponerse a pensar en la cantidad de vidas que empujadas por la fuerza del tiempo han tenido que transcurrir para que en éste instante, la realidad que cada persona habita sea palpable, visible y actual, para que nuestro derredor sea tal y como es; como se nos ha enseñado; como se nos fue presentando; como lo hemos recorrido y hecho y visto cambiar hasta convertirse en algo habitual y por lo tanto, menospreciado.

Valiéndome del deseo por conocer, hacer y  agradecer a la historia, en particular de la fotografía, que es mi área de mayor interés y en cierta medida una de esas queridas razones por las que uno siente vida y se emociona, decidí ponerme a investigar y crear esta especie de blog que reúne y tiene en cuenta información y circunstancias de todo aquello que rodeó el desarrollo histórico, que de nuestra mano, la fotografía vivió (y se realizó).

Había corrido la mayor parte del siglo XVIII y en Francia atravesaba su época dorada. La clase media, más influenciada por el pensamiento moderno que nunca, desarrollaba un gusto cada vez más exquisito, más exigente. Ahí vivía Etienne de Silhoutte quien se percataría en el momento de un principio óptico básico útil para dibujar retratos de perfíl. Seguía la linea que formaban las siluetas del objeto que atrapa luz y deja oscuridad. Con lápiz y papel lo dibujaba.

Mucho antes de que se inventara la fotografía, los artistas se ayudaban de una cámara oscura: la luz entraba en una caja o una habitación a oscuras a través de un pequeño orificio y se reflejaba enfrente como una imagen invertida de la escena exterior, la orientación era corregida con un espejo.

Algunos años antes de que esos artistas nacieran y recurrieran a esta innovadora técnica, Johann Heinrich Schulze, un profesor de anatomía que merodeaba por la geografía de Sachsen, Alemania descubrió de alguna manera, accidental, casual,  intencional o quizá jugando, que al mezclar y batir yeso, ácido nítrico y plata se formaba una sustancia que al ser alcanzado por la luz se tornaba negro y generaba, por lo tanto, contrastes de luz y penumbra.

Schulze, a pesar de no continuar con sus transversales experimentos, terminó dejando su estampa al demostrar físicamente que es la luz del sol (la luz en general) y no su calor (el calor) la culpable de hacer posible su grabación en aquel misterioso sedimento nacido de una combinación de elementos que sólo un químico tiene a su derredor.

Tal vez, Johann Zahn (monje veterano compatriota de Schulze) había notado ya este fenómeno y por ésa razón decidiera escribir e ilustrar Oculus Artificialis Teledioptricus Sive Telescopium, donde documenta estudios de la luz, linternas y cámaras oscuras, portátiles, reflex. Sin embargo, la tecnología del momento no estaba al día con sus ideas y faltarían décadas hasta que por fin la física y la química se unieran y conformaran las bases del revolucionario arte.

Fotografía

No conozco cosa alguna que exista a nuestro alrededor que carezca de una historia propia. Todas tienen un cómo fue que llegó a existir. Una historia que está compuesta de miles de horas, razones, casualidades, causas y efectos. Una cadena de acontecimientos que permitieron que algo se hiciera real y útil para la vida sensible humana.

Haciendo click en la imagen de abajo, la de los bocetos de aparatosos objetos, encontrarás un recorrido escrito que recopila datos históricos de la fotografía donde se mencionan y nombran los sucesos documentados que han sucedido para que se hiciera realidad esta bella forma de manifestar la belleza, oscuridad y realidad que observamos y vivimos.

 

 

 

 

 

Historia de la arquitectura

Arquitectura neolítica.

La arquitectura neolítica es la arquitectura del Neolítico. Aunque se han descubierto muchas viviendas pertenecientes a todas las épocas prehistóricas y también algunos modelos de viviendas de arcilla que nos permiten hacer reconstrucciones fieles, rara vez han incluido elementos que las relacionen con el arte. Algunas excepciones las proporcionan las decoraciones de las paredes y los hallazgos que se aplican igualmente a los ritos y al arte neolíticos y eneolíticos.

En el sur y suroeste de Asia, las culturas neolíticas aparecen poco después del año 10.000 a.C., inicialmente en el Levante (Prealfarería Neolítica A y Prealfarería Neolítica B) y a partir de ahí se extienden hacia el este y hacia el oeste. Existen culturas neolíticas tempranas en el sureste de Anatolia, Siria e Irak en el año 8000 a.C., y las sociedades productoras de alimentos aparecen por primera vez en el sureste de Europa en el año 7000 a.C., y en Europa Central en el año 5500 a.C. (de los cuales los complejos culturales más antiguos incluyen el Starčevo-Koros (Cris), Linearbandkeramic, y Vinča).

FOTOS

Los pueblos neolíticos del Levante, Anatolia, Siria, el norte de Mesopotamia y Asia Central fueron grandes constructores, utilizando ladrillos de barro para construir casas y aldeas. En Çatalhöyük, las casas fueron enlucidas y pintadas con escenas elaboradas de humanos y animales. Las culturas neolíticas mediterráneas de Malta adoraban en templos megalíticos.

En Europa, se construyeron largas casas construidas a base de barba y adobe. También se construyeron tumbas elaboradas para los muertos. Estas tumbas son particularmente numerosas en Irlanda, donde todavía existen miles de ellas. Los neolíticos de las Islas Británicas construyeron largos túmulos y tumbas de cámara para sus campos de muertos y calzadas, desafiando las minas de sílex y los monumentos de cursus.

Mesopotamia Antigua.

La Mesopotamia antigua es más conocida por su construcción de edificios de ladrillos de barro y la construcción de Ziggurats, templos religiosos hechos para la adoración de los dioses y diosas de Mesopotamia. La palabra Ziggurat es una forma anglicista de la palabra acadia ziqqurratum, el nombre dado a las torres sólidas de ladrillo de barro. Deriva del verbo zaqaru,’ser alto’.

Los edificios se describen como montañas que unen la Tierra y el cielo. El zigurat de Ur, excavado por Leonard Woolley, tiene 64 por 46 metros de base y originalmente unos 12 metros de altura con tres pisos. Fue construido bajo Ur-Nammu (c.2100 a.C.) y reconstruido bajo Nabonidus (555-539 a.C.) cuando se incrementó su altura a probablemente siete pisos.

La antigua arquitectura egipcia.

En el Antiguo Egipto y en otras sociedades primitivas, la gente creía en la omnipotencia de los dioses, con muchos aspectos de la vida diaria llevados a cabo con respecto a la idea de lo divino o sobrenatural y la forma en que se manifestaba en los ciclos mortales de generaciones, años, estaciones, días y noches.

Las cosechas, por ejemplo, eran vistas como la benevolencia de las deidades de la fertilidad. Así, la fundación y el orden de la ciudad y sus edificios más importantes (el palacio o el templo) eran a menudo ejecutados por sacerdotes o incluso por el propio gobernante, y la construcción iba acompañada de rituales destinados a introducir la actividad humana en una bendición divina continua.

La arquitectura antigua se caracteriza por esta tensión entre el mundo divino y el mundo mortal. Las ciudades marcarían un espacio sagrado contenido sobre el desierto de la naturaleza exterior, y el templo o palacio continuaba este orden actuando como una casa para los dioses. El arquitecto, sea sacerdote o rey, no era la única figura importante; era simplemente parte de una tradición continua.

Arquitectura griega.

La arquitectura y el urbanismo de los griegos y romanos era muy diferente al de los egipcios y persas. La vida cívica adquirió importancia para todos los miembros de la comunidad. En la época de los antiguos, los asuntos religiosos sólo eran tratados por la clase dominante; en la época de los griegos, el misterio religioso se había saltado los confines de los recintos del templo-palacio y era el tema de la gente o polis.

La vida cívica griega se sustentaba en nuevos espacios abiertos llamados el ágora, rodeados de edificios públicos, tiendas y templos. El ágora encarnaba el nuevo respeto por la justicia social recibido a través del debate abierto en lugar del mandato imperial.

Aunque la sabiduría divina todavía presidía los asuntos humanos, los rituales vivientes de las antiguas civilizaciones se habían inscrito en el espacio, en los caminos que conducían a la acrópolis, por ejemplo. Cada lugar tenía su propia naturaleza, dentro de un mundo refractado por el mito, por lo que los templos estaban situados en la cima de las montañas para tocar mejor los cielos.

La arquitectura griega era típicamente de poste y viga (llamada «trabeated») y hecha de piedra. La mayoría de los edificios sobrevivientes son templos, basados en estrictas reglas de proporción. Estos templos incluían típicamente un peristilo (área exterior con columnas (típicamente dóricas)), y tres secciones en el centro, siendo 1. el pronaus (entrada), 2. la cámara principal de cella o naos (donde se construyó una estatua del dios o diosa y un altar), y 3. el opisthodomos detrás de la cella.

Arquitectura romana.

Los romanos conquistaron las ciudades griegas en Italia alrededor de trescientos años antes de Cristo y gran parte del mundo occidental después de eso. El problema romano del gobierno implicaba la unidad de la disparidad -desde el español hasta el griego, desde el macedonio hasta el cartaginés-, el gobierno romano se había extendido a lo largo de todo el mundo conocido y la multitud de culturas pacificadas que formaban este ecumenismo presentaba un nuevo desafío para la justicia.

Una forma de ver la unidad de la arquitectura romana es a través de una nueva realización de la teoría derivada de la práctica, y encarnada espacialmente. Cívicamente encontramos que esto sucede en el foro romano (hermano del ágora griega), donde la participación pública está cada vez más alejada de la realización concreta de los rituales y representada en la decoración de la arquitectura.

Así, por fin, vemos el inicio de la plaza pública contemporánea en el Forum Iulium, iniciado por Julio César, donde los edificios se presentan a través de sus fachadas como representaciones dentro del espacio.

Como los romanos eligieron las representaciones de la santidad sobre los espacios sagrados reales para participar en la sociedad, la naturaleza comunicativa del espacio se abrió a la manipulación humana.

Nada de esto habría sido posible sin los avances de la ingeniería y construcción romanas o las canteras de mármol recién fundadas, que fueron el botín de la guerra; inventos como el arco y el hormigón dieron una forma totalmente nueva a la arquitectura romana, encerrando fluidamente el espacio en tensas cúpulas y columnatas, vistiendo las bases para el gobierno imperial y el orden cívico.

Esto fue también una respuesta al cambiante clima social que exigía nuevos edificios cada vez más complejos: el coliseo, el bloque de viviendas, los grandes hospitales y las academias. Comenzaron a construirse obras civiles en general, como carreteras y puentes.

Los romanos emplearon y desarrollaron ampliamente el arco, la bóveda y la cúpula (véase la Revolución Arquitectónica Romana), todos los cuales fueron poco utilizados antes, particularmente en Europa[8] Su uso innovador del hormigón romano facilitó la construcción de muchos edificios públicos de tamaño a menudo sin precedentes en todo el imperio.

Estos incluyen templos romanos, baños romanos, puentes romanos, acueductos romanos, puertos romanos, arcos de triunfo, anfiteatros romanos, palacios de circos romanos, mausoleos y en el último imperio también iglesias.

Las cúpulas romanas permitieron la construcción de techos abovedados y de grandes espacios públicos cubiertos como los baños públicos como los Baños de Diocleciano o el Panteón monumental de la ciudad de Roma.

Los historiadores del arte como Gottfried Richter en la década de 1920 identificaron la innovación arquitectónica romana como el Arco del Triunfo y es conmovedor ver cómo este símbolo de poder en la tierra fue transformado y utilizado dentro de las basílicas cristianas cuando el Imperio Romano de Occidente estaba en sus últimas etapas: El arco fue colocado ante el altar para simbolizar el triunfo de Cristo y la vida después de la muerte.

Es en sus impresionantes acueductos donde vemos triunfar el arco, especialmente en los numerosos ejemplos que se conservan, como el Pont du Gard, el acueducto de Segovia y los restos de los propios acueductos de Roma. Su supervivencia es testimonio de la durabilidad de sus materiales y diseño.

Arquitectura bizantina.

El Imperio Bizantino emergió gradualmente como una entidad artística y cultural distinta del Imperio Romano después del año 330 d.C., cuando el emperador romano Constantino trasladó la capital del Imperio Romano hacia el este desde Roma a Bizancio (más tarde rebautizada Constantinopla y ahora llamada Estambul).

El imperio duró más de un milenio, influyendo dramáticamente en la arquitectura de la era medieval y renacentista en Europa y, tras la captura de Constantinopla por los turcos otomanos en 1453, llevando directamente a la arquitectura del Imperio Otomano.

La arquitectura bizantina primitiva fue construida como continuación de la arquitectura romana. La deriva estilística, el avance tecnológico y los cambios políticos y territoriales hicieron que surgiera gradualmente un estilo distinto que imbuía ciertas influencias del Cercano Oriente y que utilizaba el plano de la cruz griega en la arquitectura de la iglesia.

Los edificios de mayor complejidad geométrica, el ladrillo y el yeso se utilizaban además de la piedra en la decoración de importantes estructuras públicas, los pedidos clásicos se utilizaban con mayor libertad, los mosaicos sustituían a la decoración tallada, las cúpulas complejas se apoyaban en enormes pilares y las ventanas filtraban la luz a través de finas láminas de alabastro para iluminar suavemente los interiores.

Arquitectura persa.

Los estilos preislámicos se basan en 3-4 mil años de desarrollo arquitectónico de varias civilizaciones de la meseta iraní. La arquitectura islámica de Irán, a su vez, toma ideas de su predecesor preislámico, y tiene formas geométricas y repetitivas, así como superficies ricamente decoradas con azulejos vidriados, estuco tallado, ladrillo estampado, motivos florales y caligrafía. La UNESCO reconoce a Irán como una de las cunas de la civilización.

Cada uno de los períodos de los elamitas, aqueménidas, partos y sasánidas fueron creadores de una gran arquitectura que a lo largo de los siglos se ha extendido ampliamente a otras culturas que se están adoptando. Aunque Irán ha sufrido su parte de destrucción, incluyendo la decisión de Alejandro Magno de quemar Persépolis, hay suficientes restos para formar una imagen de su arquitectura clásica.

Los aqueménidas construyeron a gran escala. Los artistas y materiales que utilizaron fueron traídos de prácticamente todos los territorios de lo que entonces era el estado más grande del mundo. Pasargadae marcó la pauta: su ciudad se estructuró en un extenso parque con puentes, jardines, palacios con columnas y pabellones de columnas abiertas. Pasargadae junto con Susa y Persépolis expresaron la autoridad del Rey de Reyes, las escaleras de este último registrando en relieve la gran extensión de la frontera imperial.

Con la aparición de los partos y los sasánidas, aparecieron nuevas formas. Las innovaciones de Partia florecieron completamente durante el periodo sasánida con enormes cámaras con bóvedas de cañón, sólidas cúpulas de mampostería y altas columnas. Esta influencia se mantendría durante muchos años.

La redondez de la ciudad de Bagdad en la era abbasí, por ejemplo, apunta a sus precedentes persas como Firouzabad en Fars.

Los dos diseñadores que fueron contratados por al-Mansur para planificar el diseño de la ciudad fueron Naubakht, un antiguo zoroastriano persa que también determinó que la fecha de la fundación de la ciudad sería astrológicamente auspiciosa, y Mashallah, un ex judío de Khorasan. Las ruinas de Persépolis, Ctesifón, Jiroft, Sialk, Pasargadae, Firouzabad, Arg-é Bam y miles de otras ruinas pueden darnos una idea de la contribución de los persas al arte de la construcción.

La caída del imperio sasánida ante las fuerzas islámicas invasoras llevó irónicamente a la creación de notables edificios religiosos en Irán. Artes como la caligrafía, el estuco, los espejos y el mosaico, se vincularon estrechamente con la arquitectura en Irán en la nueva era. Las excavaciones arqueológicas han proporcionado suficientes documentos en apoyo de los impactos de la arquitectura sasánida en la arquitectura del mundo islámico.

Muchos expertos creen que el período de la arquitectura persa de los siglos XV al XVII fue el más brillante de la era post-islámica. De esta época se conservan diversas estructuras como mezquitas, mausoleos, bazares, puentes y diferentes palacios.

En la antigua arquitectura persa, las bóvedas semicirculares y ovaladas eran de gran interés, lo que llevó a los arquitectos de Safavi a demostrar sus extraordinarias habilidades en la fabricación de cúpulas masivas. En palabras de D. Huff, arqueólogo alemán, la cúpula es el elemento dominante en la arquitectura persa. Las cúpulas se pueden ver con frecuencia en la estructura de bazares y mezquitas, especialmente durante el periodo de Safavi en Isfahan.

Las cúpulas iraníes se distinguen por su altura, proporción de elementos, belleza de forma y redondez del tallo de la cúpula. Las superficies exteriores de las cúpulas son en su mayoría de mosaico, y crean una vista mágica. Safavi Isfahan trató de alcanzar la grandeza en escala (la plaza Naghsh-i Jahan de Isfahan es la sexta plaza más grande del mundo), el conocimiento sobre la construcción de edificios altos con amplios espacios interiores. Sin embargo, la calidad de los ornamentos disminuyó en comparación con los de los siglos XIV y XV.

Las grandes mezquitas de Khorasan, Isfahan y Tabriz utilizaron cada una geometría local, materiales locales y métodos de construcción locales para expresar a su manera el orden, la armonía y la unidad de la arquitectura islámica. Y así, cuando se examinan los principales monumentos de la arquitectura persa islámica, revelan complejas relaciones geométricas, una estudiada jerarquía de formas y ornamentos, y grandes profundidades de significado simbólico.

Arquitectura islámica.

Debido a la magnitud de las conquistas islámicas, la arquitectura islámica abarca una amplia gama de estilos arquitectónicos desde la fundación del Islam hasta nuestros días. Tanto los diseños religiosos como los seculares han influido en el diseño y la construcción de edificios y estructuras dentro y fuera de la esfera de la cultura islámica. La arquitectura islámica se basa típicamente en la idea de relacionarse con lo secular o lo religioso.

Algunas de las estructuras distintivas de la arquitectura islámica son mezquitas, tumbas, palacios, baños y fortalezas, aunque los arquitectos islámicos también han aplicado sus preceptos distintivos de diseño a la arquitectura doméstica.

La amplia y larga historia del Islam ha dado lugar a muchos estilos arquitectónicos locales, incluyendo la arquitectura abbasí, persa, árabe, timurí, otomana, fatimí, mameluca, mogol, indoislámica, sino-islámica y afroislámica.

Entre los tipos arquitectónicos islámicos más notables se encuentran los primeros edificios abbasíes, las mezquitas en forma de T y las mezquitas de cúpula central de Anatolia. El Islam no fomenta la adoración de ídolos; por lo tanto, la arquitectura tiende a ser decorada con caligrafía árabe del Corán en lugar de ilustraciones de escenas de él.

África.

La arquitectura etíope (incluida la actual Eritrea) se expandió desde el estilo aksumita e incorporó nuevas tradiciones con la expansión del Estado etíope.

Los estilos incorporaron más madera y estructuras más redondeadas en la arquitectura de los plebeyos en el centro del país y en el sur, y estas influencias estilísticas se manifestaron en la construcción de iglesias y monasterios.

A lo largo del período medieval, persistieron la arquitectura y las influencias aksumitas y su tradición monolítica, con una fuerte influencia en los períodos temprano medieval (Aksumita tardío) y Zagwe (cuando se esculpieron las iglesias de Lalibela).

A lo largo del período medieval, y especialmente entre los siglos X y XII, las iglesias fueron excavadas en la roca en toda Etiopía, especialmente durante la región más septentrional de Tigray, que era el corazón del Imperio Aksumita.

Sin embargo, se han encontrado iglesias excavadas en la roca hasta Adadi Maryam (siglo XV), a unos 100 km al sur de Addis Abeba. El ejemplo más famoso de arquitectura rupestre etíope son las 11 iglesias monolíticas de Lalibela, talladas en la toba volcánica roja que se encuentra alrededor de la ciudad.

Aunque las hagiografías medievales posteriores atribuyen todas las 11 estructuras al rey Lalibela (la ciudad se llamaba Roha y Adefa antes de su reinado), las nuevas pruebas indican que pueden haber sido construidas por separado en un período de unos pocos siglos, y que sólo algunas de las iglesias más recientes fueron construidas bajo su reinado.

El arqueólogo y etíope David Phillipson postula, por ejemplo, que Bete Gebriel-Rufa’el fue construido en el período medieval muy temprano, entre los años 600 y 800 d.C., originalmente como una fortaleza, pero más tarde se convirtió en una iglesia.

Durante el periodo moderno temprano, la absorción de nuevas influencias diversas como el estilo barroco, árabe, turco y gujarati comenzó con la llegada de los misioneros jesuitas portugueses en los siglos XVI y XVII. Los soldados portugueses habían llegado inicialmente a mediados del siglo XVI como aliados para ayudar a Etiopía en su lucha contra Adal, y más tarde los jesuitas llegaron con la esperanza de convertir el país.

Es posible que alguna influencia turca haya entrado en el país a finales del siglo XVI durante su guerra con el Imperio Otomano (ver Habesh), lo que dio lugar a un aumento de la construcción de fortalezas y castillos.

Etiopía, naturalmente defendible debido a sus numerosas montañas llanas y terreno escarpado, producía poco uso táctico de las estructuras en contraste con sus ventajas en el terreno llano de Europa y otras áreas, por lo que hasta este punto había desarrollado poco la tradición.

Los castillos fueron construidos especialmente comenzando con el reinado de Sarsa Dengel alrededor de la región del lago Tana, y los emperadores subsiguientes mantuvieron la tradición, resultando finalmente en la creación del Fasil Ghebbi (recinto real de castillos) en la capital recién fundada (1635), Gondar.

El emperador Susenyos (r.1606-1632) se convirtió al catolicismo en 1622 y trató de convertirlo en la religión del estado, declarándolo como tal desde 1624 hasta su abdicación; durante este tiempo, empleó albañiles árabes, gujarati (traídos por los jesuitas) y jesuitas y sus estilos, así como albañiles locales, algunos de los cuales eran Beta Israel.

Con el reinado de su hijo Fasilides, la mayoría de estos extranjeros fueron expulsados, aunque algunos de sus estilos arquitectónicos fueron absorbidos por el estilo arquitectónico etíope predominante. Este estilo de la dinastía Gondarine persistirá especialmente a lo largo de los siglos XVII y XVIII y también influyó en los estilos modernos del siglo XIX y posteriores.

En la región occidental del Sahel, la influencia islámica fue uno de los principales factores que contribuyeron al desarrollo arquitectónico desde las últimas edades del Reino de Ghana.

En Kumbi Saleh, los lugareños vivían en viviendas en forma de cúpula en la sección del rey de la ciudad, rodeados de un gran recinto. Los comerciantes vivían en casas de piedra en una sección que poseía 12 hermosas mezquitas, según lo descrito por al-bakri, con una centrada en la oración del viernes.

Se dice que el rey poseía varias mansiones, una de las cuales medía sesenta y seis pies de largo, cuarenta y dos de ancho, contenía siete habitaciones, tenía dos pisos de altura y una escalera; las paredes y las cámaras estaban llenas de esculturas y pinturas.

Sur de Asia.

Arquitectura india.

La arquitectura india abarca una amplia variedad de estructuras geográficamente e históricamente dispersas, y fue transformada por la historia del subcontinente indio.

El resultado es una gama evolutiva de producción arquitectónica que, aunque es difícil identificar un único estilo representativo, conserva cierta continuidad a lo largo de la historia.

La diversidad de la cultura india está representada en su arquitectura. Es una mezcla de tradiciones nativas antiguas y variadas, con tipos, formas y tecnologías de construcción de Asia occidental y central, así como de Europa.

Los estilos arquitectónicos van desde la arquitectura de templos hindúes hasta la arquitectura islámica, pasando por la arquitectura clásica occidental y la arquitectura moderna y postmoderna.

La civilización urbana de la India se remonta originalmente a Mohenjodaro y Harappa, ahora en Pakistán. A partir de entonces, la arquitectura y la ingeniería civil de la India siguieron desarrollándose, manifestándose en templos, palacios y fortalezas en todo el subcontinente indio y las regiones vecinas. La arquitectura y la ingeniería civil eran conocidas como sthapatya-kala, literalmente «el arte de construir».

Los templos de Aihole y Pattadakal son los primeros ejemplos conocidos de templos hindúes.

Hay numerosos templos hindúes y budistas que se conocen como excelentes ejemplos de arquitectura rupestre india. Según J.J. O’Connor y E. F. Robertson, los Sulbasutras eran apéndices de los Vedas que daban reglas para la construcción de altares.

«Contenían una gran cantidad de conocimiento geométrico, pero las matemáticas se estaban desarrollando, no por sí mismas, sino con fines religiosos prácticos.»

Durante el Imperio Kushan y el Imperio Mauryan, la arquitectura y la ingeniería civil de la India llegaron a regiones como Baluchistán y Afganistán.

Las estatuas de Buda fueron recortadas, cubriendo acantilados enteros de montaña, como en los Budas de Bamyan, Afganistán. Durante un período de tiempo, el antiguo arte indio de la construcción se mezcló con los estilos griegos y se extendió a Asia Central. Incluye la arquitectura de varias dinastías, como la arquitectura Hoysala, la arquitectura Vijayanagara y la arquitectura Chalukya Occidental.

El dominio del Sultanato de Delhi, los Sultanatos de Deccan y el Imperio Mughal condujo al desarrollo de la arquitectura indo-islámica, un estilo que combinaba las influencias islámicas con los estilos tradicionales de la India.

Durante el Raj británico, se desarrolló un nuevo estilo de arquitectura conocido como el estilo de renacimiento indo-saraceno, que incorporó diversos grados de elementos indios en el estilo británico.

Las iglesias y conventos de Goa, que se funden en el estilo arquitectónico barroco indio bajo la orientación de los arquitectos más eminentes de la época. Es un buen ejemplo de la mezcla de estilos tradicionales de la India con los estilos arquitectónicos de Europa Occidental.

Arquitectura camboyana (Khmer).

Sin embargo, la principal prueba de la arquitectura jemer y, en última instancia, de la civilización jemer, siguen siendo los edificios religiosos, que son considerables en número y muy variados en tamaño. Estaban destinados a dioses inmortales y como fueron construidos con materiales duraderos de ladrillo, laterita y arenisca, muchos han sobrevivido hasta el día de hoy.

Por lo general estaban rodeados de recintos para protegerlos de los poderes malignos, pero a menudo ha surgido la confusión de cuál es el recinto del templo y cuál es el de la ciudad de la que formaba parte el templo.

El templo de Angkor Wat es un gran ejemplo de la obra maestra de la arquitectura jemer, fue construido por el rey Suryavarman II en el siglo XII. A pesar de que tiene más de 800 años de antigüedad, sigue manteniendo su primer puesto como la estructura religiosa más grande del mundo.

Arquitectura indonesia.

La arquitectura de Indonesia refleja tanto la diversidad cultural de la región como su rica herencia histórica. La posición geográfica de Indonesia significa una transición entre la cultura de la arquitectura hindú-budista asiática y la arquitectura animista de Oceanía.

La amplia gama indonesia de estilos vernáculos es el legado de una tradición arquitectónica austronesia caracterizada por viviendas con pilotes de madera, techos inclinados altos y crestas de techos extendidas. Los templos de Java, por otra parte, comparten una ascendencia hindú-budista india, típica del sudeste asiático; aunque las influencias indígenas han llevado a la creación de un estilo claramente indonesio de arquitectura monumental.

La difusión gradual del Islam a través de la región a partir del siglo XII crea una arquitectura islámica que traiciona una mezcla de elementos locales y exóticos.

La llegada del comerciante europeo, especialmente el holandés, muestra la incorporación de muchos rasgos indonesios en la arquitectura de los Países Bajos nativos para producir una síntesis ecléctica de las formas orientales y occidentales aparentes en el estilo de las Indias de principios del siglo XVIII y en el estilo moderno de las Nuevas Indias.

Los años posteriores a la independencia fueron testigos de la adopción de la agenda modernista por parte de los arquitectos indonesios, que se puso de manifiesto en la arquitectura de los años setenta y ochenta.

Arquitectura oceánica.

La mayoría de los edificios de Oceanic están formados por cabañas, hechas de madera y otros materiales vegetales. El arte y la arquitectura a menudo han estado estrechamente relacionados -por ejemplo, los almacenes y los salones de reuniones suelen estar decorados con tallas elaboradas- y por eso se presentan juntos en esta discusión.

La arquitectura de las islas del Pacífico era variada y a veces de gran escala. Los edificios reflejaban la estructura y las preocupaciones de las sociedades que los construyeron, con considerable detalle simbólico.

Técnicamente, la mayoría de los edificios en Oceanía no eran más que simples ensamblajes de postes unidos con azotes de caña; sólo en las Islas Carolinas se conocían métodos complejos de unión y clavado.

Asia Oriental.

Arquitectura china.

La arquitectura china se refiere a un estilo de arquitectura que ha tomado forma en Asia Oriental a lo largo de muchos siglos. Especialmente Japón, Corea, Vietnam y Ryukyu. Los principios estructurales de la arquitectura china han permanecido en gran medida inalterados, siendo los principales cambios sólo los detalles decorativos.

Desde la dinastía Tang, la arquitectura china ha tenido una gran influencia en los estilos arquitectónicos de Corea, Vietnam y Japón.

De la cultura Longshan de la era Neolítica y de la era Erlitou de la Edad del Bronce, existen las primeras fortificaciones de tierra apisonada, con evidencias de arquitectura en madera. Las ruinas subterráneas del palacio de Yinxu se remontan a la dinastía Shang (c. 1600 a.C. – 1046 a.C.).

En la China histórica, el énfasis arquitectónico se puso sobre el eje horizontal, en particular la construcción de una plataforma pesada y un gran techo que flota sobre esta base, con las paredes verticales no tan bien acentuadas. Esto contrasta con la arquitectura occidental, que tiende a crecer en altura y profundidad.

La arquitectura china enfatiza el impacto visual de la anchura de los edificios. La desviación de este estándar es la arquitectura de torre de la tradición china, que comenzó como una tradición nativa y fue influenciada por el edificio budista para albergar los sutras religiosos -la stupa- que provenían de Nepal.

Las antiguas representaciones de tumbas chinas de torres residenciales de varios pisos y torres de vigilancia datan de la dinastía Han (202 a.C. – 220 d.C.). Sin embargo, la primera pagoda budista china existente es la Pagoda Songyue, una torre de ladrillo de base circular de 40 m de altura construida en la provincia de Henan en el año 523 DC. A partir del siglo VI, las estructuras de piedra se vuelven más comunes, mientras que las más antiguas son las de arcos de piedra y ladrillo que se encuentran en las tumbas de la dinastía Han.

El puente de Zhaozhou, construido entre los años 595 y 605 d.C., es el puente de piedra más antiguo de China, así como el puente de arco escarzano de piedra más antiguo del mundo.

El oficio de arquitecto, artesano e ingeniero no era tan respetado en la sociedad china premoderna como los burócratas eruditos que fueron reclutados para el gobierno por el sistema de exámenes de la administración pública.

Gran parte del conocimiento sobre la arquitectura china primitiva se transmitió de un comerciante a su hijo o aprendiz asociativo. Sin embargo, hubo varios tratados tempranos sobre arquitectura en China, con información enciclopédica sobre arquitectura que se remonta a la dinastía Han.

El apogeo de la tradición arquitectónica clásica china en la escritura y la ilustración se puede encontrar en el Yingzao Fashi, un manual de construcción escrito por 1100 y publicado por Li Jie (1065-1110) en 1103.

En él se encuentran numerosas y meticulosas ilustraciones y diagramas que muestran el montaje de salas y componentes de construcción, así como la clasificación de tipos de estructuras y componentes de construcción.

Había ciertas características arquitectónicas que estaban reservadas únicamente para los edificios construidos para el Emperador de China.

Un ejemplo es el uso de tejas amarillas en el tejado; siendo el color amarillo el color imperial, las tejas amarillas todavía adornan la mayoría de los edificios de la Ciudad Prohibida.

El Templo del Cielo, sin embargo, utiliza tejas azules para simbolizar el cielo. Los techos están casi invariablemente sostenidos por soportes, una característica compartida sólo con los edificios religiosos más grandes.

Las columnas de madera de los edificios, así como la superficie de las paredes, tienden a ser de color rojo.

Muchos de los diseños arquitectónicos chinos actuales siguen estilos posmodernos y occidentales.

Arquitectura coreana.

La forma básica de construcción es más o menos similar al sistema de construcción de Asia Oriental. Desde un punto de vista técnico, los edificios se estructuran vertical y horizontalmente.

Una construcción se eleva generalmente de una subfundación de piedra a un techo curvo cubierto de tejas, sostenido por una estructura de consola y apoyado en postes; las paredes están hechas de tierra (adobe) o a veces están totalmente compuestas de puertas de madera móviles.

La arquitectura se construye según la unidad k’an, la distancia entre dos postes (unos 3,7 metros), y está diseñada para que siempre haya un espacio de transición entre el «interior» y el «exterior».

La consola, o estructura de soporte, es un elemento arquitectónico específico que ha sido diseñado de varias maneras a través del tiempo. Si el simple sistema de soportes ya se utilizaba en el reino de Goguryeo (37 a.C. – 668 d.C.), en los palacios de Pyongyang, por ejemplo, durante los primeros años de la dinastía de los Koryo (918-1392) se elaboró una versión curvilínea, con soportes colocados únicamente en las cabezas de las columnas del edificio.

La Sala Amita del templo Pusok en Antong es un buen ejemplo. Más tarde (desde la mitad del período de Coryo hasta la primera dinastía Choson), se desarrolló un sistema de paréntesis múltiple, o un sistema de paréntesis intercolumnar, bajo la influencia de la dinastía Yuan de los mongoles (1279-1368).

En este sistema, las consolas también se colocaban sobre las vigas horizontales transversales. La Puerta de Namtaemun de Seúl, el principal tesoro nacional de Corea, es quizás el ejemplo más simbólico de este tipo de estructura.

A mediados del periodo de Choson, apareció la forma de bracket (un ejemplo es el Yongnyongjon Hall de Jongmyo, Seúl), que muchos eruditos interpretan como un ejemplo de la fuerte influencia confuciana en la Corea de Joseon, que enfatizaba la sencillez y la modestia en tales edificios de santuarios.

Sólo en edificios de importancia como palacios o a veces templos (Tongdosa, por ejemplo) se usaban todavía los corchetes multicluster. El confucianismo también condujo a soluciones más sobrias y sencillas.

Arquitectura japonesa.

La arquitectura japonesa tiene una historia tan larga como cualquier otro aspecto de la cultura japonesa. También muestra un número importante de diferencias y aspectos que son únicamente japoneses.

Dos nuevas formas de arquitectura se desarrollaron en el Japón medieval en respuesta al clima militarista de la época: el castillo, una estructura defensiva construida para albergar a un señor feudal y a sus soldados en tiempos difíciles; y el shoin, una sala de recepción y un área de estudio privada diseñada para reflejar las relaciones entre el señor y el vasallo dentro de una sociedad feudal.

Debido a la necesidad de reconstruir Japón después de la Segunda Guerra Mundial, las principales ciudades japonesas contienen numerosos ejemplos de arquitectura moderna. Japón jugó un papel importante en el diseño de los rascacielos modernos, debido a su larga familiaridad con el principio de voladizo para soportar el peso de los pesados techos de las sienes de tejas.

Durante la reconstrucción se adaptaron nuevas ideas de planificación urbana basadas en el principio de las capas o capullos alrededor de un espacio interior (oku), un concepto espacial japonés que se adaptó a las necesidades urbanas. El modernismo se hizo cada vez más popular en la arquitectura japonesa a partir de los años cincuenta.

Arquitectura precolombina.

Mesoamericana.

La arquitectura mesoamericana es el conjunto de tradiciones arquitectónicas producidas por las culturas y civilizaciones precolombinas de Mesoamérica (como los olmecas, mayas y aztecas) que son más conocidas en la forma de edificios y estructuras monumentales públicos, ceremoniales y urbanos.

Las características distintivas de la arquitectura mesoamericana abarcan una serie de estilos regionales e históricos diferentes, que sin embargo están significativamente interrelacionados.

Estos estilos se desarrollaron a lo largo de las diferentes fases de la historia mesoamericana como resultado del intenso intercambio cultural entre las diferentes culturas del área cultural mesoamericana a través de miles de años. La arquitectura mesoamericana se caracteriza sobre todo por sus pirámides, que son las más grandes fuera del Antiguo Egipto.

Arquitectura incaica.

La arquitectura incaica consiste en los mayores logros de construcción desarrollados por los Incas. Los Incas desarrollaron un extenso sistema de carreteras que abarca la mayor parte de la longitud occidental del continente. Los puentes de cuerda incas pueden ser considerados los primeros puentes colgantes del mundo.

Debido a que los Incas no usaban ruedas (habría sido poco práctico para el terreno) o caballos, construyeron sus caminos y puentes para el tráfico a pie y en pack-llama.

Gran parte de la arquitectura actual de la antigua capital incaica, Cuzco, muestra influencias tanto incas como españolas. La famosa ciudad perdida de Machu Picchu es el mejor ejemplo de arquitectura Inca. Otro sitio importante es Ollantaytambo. Los incas eran sofisticados cortadores de piedra cuya albañilería no utilizaba mortero.

Arquitectura antigua de Norteamérica.

Dentro de lo que hoy es Estados Unidos, los Mississippians y los Pueblo crearon una arquitectura pública sustancial. La cultura de Mississippi estaba entre los pueblos que construían montículos, conocidos por la construcción de grandes montículos de plataformas de tierra.

Los edificios temporales, que a menudo eran arquitectónicamente únicos de una región a otra, siguen influyendo en la arquitectura estadounidense en la actualidad.

En su resumen, «The World of Textiles», Tushar Ghosh, del Estado de Carolina del Norte, ofrece un ejemplo: el techo del Aeropuerto Internacional de Denver es una estructura de tela que fue influenciada por y/o se asemeja a los tipis de las culturas locales.

Al escribir sobre Evergreen State College, Lloyd Vaughn enumera un ejemplo de arquitectura nativa muy diferente que también influyó en la construcción contemporánea: el programa de Estudios Nativos Americanos se encuentra en una casa moderna derivada de la arquitectura precolombina del noroeste del Pacífico.

Europa y su arquitectura en los 1400.

Arquitectura medieval.

Los ejemplos que sobrevivieron de la arquitectura medieval secular sirvieron principalmente para la defensa. Los castillos y las murallas son los ejemplos no religiosos más notables de la arquitectura medieval.

Las ventanas tienen una forma de cruz para fines más que decorativos: se ajustan perfectamente para que un ballestero dispare con seguridad a los invasores desde el interior.

Los muros de almenas proporcionaban refugios para los arqueros en los tejados para esconderse detrás de ellos cuando no disparaban.

Pre-románico.

La arquitectura de Europa Occidental en la Alta Edad Media se puede dividir en cristiana y prerrománica, incluyendo merovingia, carolingia, otomana y asturiana. Si bien estos términos son problemáticos, no obstante sirven adecuadamente como entradas a la era.

Las consideraciones que entran en la historia de cada período incluyen los elementos «historicistas» y «modernizadores» de Trachtenberg, los elementos italianos frente a los elementos norteños, españoles y bizantinos, y especialmente las maniobras religiosas y políticas entre reyes, papas y diversos funcionarios eclesiásticos.

Arquitectura románica.

El románico, que prevalecía en la Europa medieval durante los siglos XI y XII, fue el primer estilo paneuropeo desde la arquitectura imperial romana y hay ejemplos en todas partes del continente.

El término no era contemporáneo con el arte que describe, sino más bien, es una invención de la erudición moderna basada en su similitud con la arquitectura romana en formas y materiales. El románico se caracteriza por el uso de arcos de medio punto o ligeramente apuntados, bóvedas de cañón y pilares cruciformes que sostienen las bóvedas.

Arquitectura gótica.

Los diversos elementos de la arquitectura gótica surgieron en varios proyectos de construcción de los siglos XI y XII, especialmente en la zona de Île de France, pero se combinaron por primera vez para formar lo que hoy en día reconocemos como un estilo gótico distintivo en la iglesia abacial de Saint-Denis en Saint-Denis, cerca de París.

La verticalidad se acentúa en la arquitectura gótica, que presenta estructuras de piedra casi esqueléticas con grandes extensiones de vidrio, paredes recortadas apoyadas en contrafuertes volantes exteriores, arcos apuntados en forma de ojiva, bóvedas de piedra nervada, columnas agrupadas, pináculos y agujas fuertemente apuntadas.

Las ventanas contienen hermosos vitrales, que muestran historias de la Biblia y de la vida de los santos. Tales avances en el diseño permitieron que las catedrales se elevaran más altas que nunca, y se convirtió en una especie de concurso interregional para construir una iglesia lo más alta posible.

Arquitectura renacentista.

El Renacimiento se refiere a menudo al Renacimiento italiano que comenzó en el siglo XIV, pero investigaciones recientes han revelado la existencia de movimientos similares en toda Europa antes del siglo XV; en consecuencia, el término «principios de la modernidad» ha ganado popularidad al describir este movimiento cultural.

Este período de renacimiento cultural se atribuye a menudo a la restauración de la erudición en las Antigüedades Clásicas y a la absorción de nuevos conocimientos científicos y filosóficos que alimentaron las artes.

El desarrollo de la arquitectura medieval se refería a la forma en que la geometría mediaba entre la intangibilidad de la luz y la tangibilidad de lo material como forma de relacionar la creación divina con la existencia mortal.

Esta relación fue cambiada en cierta medida por la invención de la Perspectiva que trajo un sentido de infinito al reino de la comprensión humana a través de las nuevas representaciones del horizonte, evidenciadas en las extensiones de espacio abiertas en la pintura renacentista, y que ayudaron a dar forma al nuevo pensamiento humanista.

La perspectiva representaba una nueva comprensión del espacio como un hecho universal, a priori, comprendido y controlable a través de la razón humana.

Los edificios renacentistas muestran, por tanto, un sentido diferente de claridad conceptual, donde los espacios fueron diseñados para ser entendidos en su totalidad desde un punto de vista fijo y específico.

El poder de Perspective para representar universalmente la realidad no se limitaba a describir experiencias, sino que también le permitía anticiparse a la experiencia misma proyectando la imagen de vuelta a la realidad.

El Renacimiento se extendió a Francia a finales del siglo XV, cuando Carlos VIII regresó en 1496 con varios artistas italianos de su conquista de Nápoles.

Los castillos renacentistas se construyeron en el valle del Loira, siendo el más antiguo ejemplo el Château d’Amboise, y el estilo llegó a ser dominante bajo Francisco I (1515-47).

(Ver Castillos del Valle del Loira). El Château de Chambord es una combinación de estructura gótica y ornamentos italianos, un estilo que progresó bajo la dirección de arquitectos como Sebastiano Serlio, que se dedicó después de 1540 a trabajar en el Château de Fontainebleau.

Arquitectos como Philibert Delorme, Androuet du Cerceau, Giacomo Vignola y Pierre Lescot se inspiraron en las nuevas ideas.

La fachada interior suroeste del Cour Carree del Louvre en París fue diseñada por Lescot y cubierta con tallas exteriores de Jean Goujon. La arquitectura continuó prosperando en los reinados de Enrique II y Enrique III.

En Inglaterra el primer gran exponente de la arquitectura renacentista fue Inigo Jones (1573-1652), que había estudiado arquitectura en Italia, donde la influencia de Palladio era muy fuerte.

Jones regresó a Inglaterra lleno de entusiasmo por el nuevo movimiento e inmediatamente comenzó a diseñar edificios como la Casa de la Reina en Greenwich en 1616 y la Casa de Banquetes en Whitehall tres años después.

Estas obras, con sus líneas limpias y simétricas, fueron revolucionarias en un país que todavía está enamorado de ajimeces, almenas y torretas.

Arquitectura europea y colonial.

Con el surgimiento de varios imperios coloniales europeos desde el siglo XVI en adelante hasta principios del siglo XX, las nuevas tendencias estilísticas de Europa fueron exportadas o adoptadas por lugares de todo el mundo, evolucionando a menudo hacia nuevas variaciones regionales.

Arquitectura barroca.

Los períodos del manierismo y el barroco que siguieron al Renacimiento señalaron una creciente ansiedad sobre el significado y la representación.

Importantes desarrollos en la ciencia y la filosofía habían separado las representaciones matemáticas de la realidad del resto de la cultura, cambiando fundamentalmente la forma en que los humanos se relacionaban con su mundo a través de la arquitectura.

Alcanzaría su desarrollo más extremo y embellecido bajo los gustos decorativos del rococó.

Regreso al clasicismo.

A finales de los siglos XVII y XVIII, las obras y teorías de Andrea Palladio (de la Venecia del siglo XVI) volverían a ser interpretadas y adoptadas en Inglaterra, difundidas por la traducción inglesa de su I Quattro Libri dell’Architettura, y de libros de patrones como Vitruvius Brittanicus de Colen Campbell.

Esta arquitectura paladiana y las imágenes clásicas continuas influenciaron a su vez a Thomas Jefferson y a otros arquitectos primitivos de los Estados Unidos en su búsqueda de una nueva arquitectura nacional.

A mediados del siglo XVIII, la decoración y el uso de las auténticas formas clásicas eran más sobrios que en el Barroco, debido al aumento de las visitas a las ruinas clásicas en el marco del Gran Recorrido, junto con las excavaciones de Pompeya y Herculano.

Arquitectura de estilo federal es el nombre de la arquitectura clasicista construida en América del Norte entre los años 1780 y 1830, y en particular entre 1785 y 1815.

Este estilo comparte su nombre con su época, el Período Federal. El término también se utiliza en asociación con el diseño de muebles en los Estados Unidos del mismo período de tiempo.

El estilo corresponde ampliamente al clasicismo de clase media del estilo Biedermeier en las tierras de habla alemana, al estilo Regency en Gran Bretaña y al estilo del Imperio Francés.

(Beaux-Art) arquitectura.

La arquitectura de Bellas Artes denota el estilo arquitectónico clásico académico que se enseñó en la École des Beaux Arts de París. El estilo «Bellas Artes» es sobre todo el producto acumulativo de dos siglos y medio de instrucción bajo la autoridad, primero de la Académie royale d’architecture, luego, después de la Revolución, de la sección Arquitectura de la Académie des Beaux-Arts.

La organización bajo el Antiguo Régimen del concurso para el Gran Premio de Roma de arquitectura, que ofrecía la posibilidad de estudiar en Roma, imprimió sus códigos y estética en el curso de instrucción, que culminó durante el Segundo Imperio (1850-1870) y la Tercera República que le siguió.

El estilo de enseñanza que produjo la arquitectura de Bellas Artes continuó sin una renovación importante hasta 1968.

Art Nouveau.

Alrededor de 1900, varios arquitectos de todo el mundo comenzaron a desarrollar nuevas soluciones arquitectónicas para integrar los precedentes tradicionales con las nuevas demandas sociales y posibilidades tecnológicas.

La obra de Victor Horta y Henry van de Velde en Bruselas, Antoni Gaudí en Barcelona, Otto Wagner en Viena y Charles Rennie Mackintosh en Glasgow, entre muchos otros, puede verse como una lucha común entre lo viejo y lo nuevo.

Arquitectura Moderna Temprana.

La Arquitectura Moderna Temprana comenzó con una serie de estilos de construcción con características similares, principalmente la simplificación de la forma y la eliminación de la ornamentación, que surgieron por primera vez alrededor de 1900.

En la década de 1940, estos estilos se habían consolidado en gran medida y se identificaron como el Estilo Internacional.

Las características exactas y los orígenes de la arquitectura moderna todavía están abiertos a la interpretación y al debate. Un desencadenante importante parece haber sido la máxima atribuida a Louis Sullivan: «la forma sigue a la función».

El funcionalismo, en la arquitectura, es el principio de que los arquitectos deben diseñar un edificio basado en el propósito de ese edificio. Esta afirmación es menos evidente de lo que parece a primera vista, y es un asunto de confusión y controversia dentro de la profesión, particularmente con respecto a la arquitectura moderna.

Arquitectura expresionista.

La arquitectura expresionista fue un movimiento arquitectónico que se desarrolló en el norte de Europa durante las primeras décadas del siglo XX en paralelo con las artes visuales e interpretativas expresionistas.

El estilo se caracterizó por la adopción de materiales novedosos por parte de los primeros modernistas, la innovación formal y una concentración muy inusual, a veces inspirada en formas biomórficas naturales, a veces en las nuevas posibilidades técnicas ofrecidas por la producción en masa de ladrillo, acero y, especialmente, vidrio.

Muchos arquitectos expresionistas lucharon en la Primera Guerra Mundial y sus experiencias, combinadas con la agitación política y la agitación social que siguió a la Revolución Alemana de 1919, resultaron en una perspectiva utópica y una agenda socialista romántica.

Las condiciones económicas limitaron severamente el número de encargos construidos entre 1914 y mediados de la década de 1920, lo que dio lugar a que muchas de las obras expresionistas más importantes permanecieran como proyectos sobre papel, como la arquitectura alpina de Bruno Taut y los Formspiels de Hermann Finsterlin.

Los edificios efímeros de exposición fueron numerosos y de gran importancia durante este período. La escenografía para el teatro y el cine proporcionó otra salida para la imaginación expresionista, y proporcionó ingresos suplementarios para los diseñadores que intentaban desafiar las convenciones en un clima económico duro.

Art Deco.

El estilo Art Deco en la arquitectura surgió en París justo antes de la Primera Guerra Mundial con el Teatro de los Campos Elíseos de Auguste Perret (1911-1913) y el Edificio Majorelle de Henri Sauvage (1913).

Su revolucionario uso del hormigón armado, las formas geométricas, las líneas rectas y la escultura decorativa aplicada al exterior del edificio en placas de mármol, cerámica y estuco, y más tarde en acero inoxidable, se apartaron del Art Nouveau.

El estilo alcanzó su apogeo en las décadas de 1920 y 1930, y tomó su nombre de la Exposición Internacional de Artes Industriales y Decorativas Modernas de París en 1925.

El Art Deco se hizo especialmente popular en los Estados Unidos a finales de la década de 1920, donde el estilo se utilizó para rascacielos como el Chrysler Building (1930) y el Empire State Building (1931), y para suntuosos palacios cinematográficos como el Radio City Music Hall (1932) en la ciudad de Nueva York y el Paramount Theater en Oakland, California.

En la década de 1930 surgió una variante reducida llamada Streamline Moderne, que se inspiró en las formas aerodinámicas y curvas de los transatlánticos, los aviones y los trenes.

El Art Deco se utilizó en edificios de oficinas, edificios gubernamentales, estaciones de tren y cines de todo el mundo en la década de 1930, pero decayó rápidamente a finales de la década debido a la Gran Depresión y a las intensas críticas al estilo por parte de arquitectos modernistas como Le Corbusier, que denunció lo que él consideraba su excesivo ornamento. Para 1939, el estilo estaba en gran medida pasado de moda y fue reemplazado por el más austero Estilo Internacional.

Estilo Internacional.

El estilo internacional fue una de las principales tendencias arquitectónicas de las décadas de 1920 y 1930. El término suele referirse a los edificios y arquitectos de las décadas formativas del modernismo, antes de la Segunda Guerra Mundial.

El término tiene su origen en el nombre de un libro de Henry-Russell Hitchcock y Philip Johnson que identificó, categorizó y amplió las características comunes del modernismo en todo el mundo. Como resultado, la atención se centró más en los aspectos estilísticos del modernismo. Los principios básicos de diseño del Estilo Internacional forman parte del modernismo.

Las ideas del Modernismo se desarrollaron especialmente en lo que se enseñó en la Escuela Bauhaus Alemana de Weimar (desde 1919), Dessau (entre 1926 y 1922) y finalmente Berlín entre 1932 y 1933, bajo el liderazgo de su fundador Walter Gropius, luego de Hannes Meyer, y finalmente de Ludwig Mies van der Rohe. La teoría modernista de la arquitectura residía en el intento de eludir la cuestión del estilo de construcción de un edificio, una preocupación que había eclipsado a la arquitectura del siglo XIX, y el deseo de reducir la forma a su expresión más mínima de estructura y función.

En Estados Unidos, Philip Johnson y Henry-Russell Hitchcock trataron este nuevo fenómeno en 1931 como si representara un nuevo estilo: el Estilo Internacional, tergiversando así su misión primaria como una mera cuestión de eliminar el ornamento tradicional.

El esfuerzo central para perseguir la arquitectura moderna como un programa abstracto y científico se llevó a cabo con mayor fidelidad en Europa, pero las cuestiones de estilo siempre eclipsaron sus objetivos más estrictos y puritanos, sobre todo en la obra de Le Corbusier.

Arquitectura contemporánea.

Arquitectura moderna.

La arquitectura moderna se caracteriza generalmente por la simplificación de la forma y la creación de ornamentos a partir de la estructura y el tema del edificio.

Es un término aplicado a un movimiento global, cuya definición y alcance exactos varían ampliamente. La arquitectura moderna ha continuado en el siglo XXI como un estilo contemporáneo, especialmente para los edificios de oficinas corporativos.

En un sentido más amplio, la arquitectura moderna comenzó a principios del siglo XX con esfuerzos para conciliar los principios que subyacen al diseño arquitectónico con el rápido avance tecnológico y la modernización de la sociedad.

Tomaría la forma de numerosos movimientos, escuelas de diseño y estilos arquitectónicos, algunos en tensión unos con otros, y a menudo desafiando igualmente tal clasificación.

Regionalismo crítico.

El regionalismo crítico es un enfoque de la arquitectura que se esfuerza por contrarrestar la falta de lugar y de significado en la arquitectura moderna mediante el uso de fuerzas contextuales para dar un sentido de lugar y significado. El término regionalismo crítico fue utilizado primero por Alexander Tzonis y Liane Lefaivre y más tarde por Kenneth Frampton.

Frampton expuso sus puntos de vista en «Towards a Critical Regionalism: Seis puntos de una arquitectura de resistencia».

Evoca la pregunta de Paul Ricœur sobre «cómo modernizarse y volver a las fuentes; cómo revivir una civilización antigua e inactiva y participar en la civilización universal».

Según Frampton, el regionalismo crítico debe adoptar la arquitectura moderna de manera crítica por sus cualidades progresistas universales, pero al mismo tiempo debe valorar las respuestas particulares al contexto.

El énfasis debe estar en la topografía, el clima, la luz, la forma tectónica en lugar de la escenografía y el sentido táctil en lugar de lo visual. Frampton recurre a la fenomenología para complementar sus argumentos.

Arquitectura postmoderna.

La arquitectura postmoderna es un estilo internacional cuyos primeros ejemplos se citan generalmente como de los años cincuenta, y que sigue influyendo en la arquitectura actual.

Se cree que la postmodernidad en la arquitectura se anuncia generalmente por el retorno del «ingenio, el ornamento y la referencia» a la arquitectura en respuesta al formalismo del Estilo Internacional del modernismo.

Como en muchos movimientos culturales, algunas de las ideas más pronunciadas y visibles del posmodernismo se pueden ver en la arquitectura. Las formas y los espacios funcionales y formalizados del movimiento modernista son reemplazados por estéticas que no se disculpan: los estilos chocan, la forma se adopta por sí misma, y abundan las nuevas formas de ver los estilos y el espacio familiares.

Ejemplos clásicos de arquitectura moderna son el Lever House y el edificio Seagram en espacios comerciales, y la arquitectura de Frank Lloyd Wright o el movimiento Bauhaus en espacios privados o comunes.

Ejemplos transitorios de arquitectura postmoderna son el Edificio Portland en Portland y el Edificio Sony (Nueva York) (originalmente Edificio AT&T) en la ciudad de Nueva York, que toma prestados elementos y referencias del pasado y reintroduce color y simbolismo a la arquitectura.

Un buen ejemplo de inspiración para la arquitectura postmoderna se encuentra a lo largo de Las Vegas Strip, que fue estudiado por Robert Venturi en su libro de 1972 Learning from Las Vegas, en el que se celebra la arquitectura común y corriente de la tira. Venturi opinó que «Menos es aburrido», invirtiendo el dicho de Mies Van Der Rohe de que «Menos es más».

Siguiendo el movimiento postmoderno, se estableció un renacimiento de los ideales urbanos y arquitectónicos premodernistas, con el Nuevo Urbanismo y la Nueva Arquitectura Clásica como movimientos prominentes.

Arquitectura deconstructivista.

El deconstructivismo en la arquitectura es un desarrollo de la arquitectura postmoderna que comenzó a finales de los años ochenta. Se caracteriza por ideas de fragmentación, procesos no lineales de diseño, un interés en manipular ideas de la superficie o piel de una estructura, y geometría no euclídea aparente, (es decir, formas no rectilíneas) que sirven para distorsionar y dislocar algunos de los elementos de la arquitectura, como la estructura y la envolvente. El aspecto visual acabado de los edificios que exhiben los numerosos «estilos» deconstructivistas se caracteriza por una estimulante imprevisibilidad y un caos controlado.

Acontecimientos importantes en la historia del movimiento deconstructivista incluyen el concurso de diseño arquitectónico Parc de la Villette de 1982 (especialmente la obra ganadora de Jacques Derrida y Peter Eisenman y Bernard Tschumi), la exposición de arquitectura deconstructivista del Museo de Arte Moderno de Nueva York de 1988, organizada por Philip Johnson y Mark Wigley, y la inauguración en 1989 del Wexner Center for the Arts de Columbus, diseñado por Peter Eisenman.

La exposición de Nueva York incluyó obras de Frank Gehry, Daniel Libeskind, Rem Koolhaas, Peter Eisenman, Zaha Hadid, Coop Himmelblau y Bernard Tschumi. Desde la exposición, muchos de los arquitectos asociados al deconstructivismo se han distanciado del término. Sin embargo, el término se ha mantenido y ahora, de hecho, ha llegado a abrazar una tendencia general dentro de la arquitectura contemporánea.

Arquitectura en el siglo XXI.

El 21 de enero de 2013, los arquitectos comenzaron los preparativos para construir el primer edificio impreso en 3D del mundo. Una impresora 3D a escala industrial utilizó mármol artificial de alta resistencia.

Empresas de todo el mundo han impreso en 3D numerosos edificios, muchos de los cuales sólo tardan unas pocas horas en completarse. Los edificios impresos en 3D han demostrado ser prácticos, rentables y respetuosos con el medio ambiente.

La tecnología se está ampliando a otros campos.

La arquitectura sostenible es un tema importante en la arquitectura contemporánea, incluyendo las tendencias del Nuevo Urbanismo, la Nueva Arquitectura Clásica y las Eco-ciudades.

Paisajistas

Los paisajistas más conocidos del mundo. 

La lista  no es de ninguna manera exhaustiva – a lo largo de la historia hubo muchas más grandes personalidades y personas dotadas dedicadas a su trabajo. Intentamos a elegir a los  paisajistas que más nos influyen con su oficio, cuya influencia marcó los momentos importantes de la historia de la arquitectura paisajista y cuyas ideas fueron revolucionarias hasta el punto de cambiar por completo el mundo en el que vivían. Gracias a ellos, la arquitectura paisajística es lo que conocemos y aprovechamos hasta hoy en día de sus ideas visionarios.

Frederick Law Olmsted es considerado popularmente como el padre de la arquitectura paisajista estadounidense. Nació en Hartford, Connecticut, el 26 de abril de 1822. Junto con su socio principal, Calvert Vaux, diseñó muchos de los parques urbanos más famosos de Estados Unidos, especialmente Central Park y Prospect Park en Nueva York. Creía que los espacios verdes urbanos deberían estar abiertos para todos los ciudadanos de todas las clases sociales, lo que dio origen a la idea moderna de un «parque público». También fue autor de numerosos currículos escolares y universitarios y arquitecto de la primera comunidad planificada en los Estados Unidos: Riverside en Illinois.

Roberto Burle Marx fue un arquitecto paisajista brasileño, conocido por introducir el Modernismo en Brasil. Nacido en 1909 en São Paulo, se interesó por el diseño de jardines gracias a sus padres. En sus proyectos utiliza habitualmente plantas autóctonas para crear bloques de color. Tenía un vasto conocimiento de la botánica brasileña y una gran colección de las plantas de su finca Barra de Guaratiba. Trató sus paisajes como pinturas abstractas, acercándose siempre a su obra con total perfección. Sus proyectos tienen un sentido de intemporalidad y trabajan con la naturaleza, en lugar de contra ella. La simetría no se encuentra en sus proyectos, sino que las plantas están agrupadas en grandes grupos de una especie y los cuerpos de agua son de forma libre y agradable. El paseo de la playa de Copacabana, el parque Flamengo en Río de Janeiro y el parque del centro de la ciudad de Kuala  Lumpur son sólo algunos de sus famosos diseños.

Martha Schwartz  es una arquitecta paisajista americana y uno de los iconos de la arquitectura paisajista del siglo XX. Sus impresionantes y controvertidos jardines son muy diferentes a lo que estamos acostumbrados – a veces ni siquiera contienen plantas, ni agua! Los materiales favoritos de Schwartz son el plástico y la piedra. Los rasgos característicos de sus diseños son colores brillantes, líneas nítidas y estructuras artificiales. El trabajo global de la firma se puede encontrar en los cinco continentes, con proyectos que van desde instalaciones artísticas, parques públicos, paisajes corporativos, planes maestros urbanos, fachadas al mar, jardines privados e instalaciones artísticas. Sus obras más reconocidas incluyen el Splice Garden en Cambridge, Massachusetts y Jacob Javits Convention Center Plaza en Nueva   York, así como  Dublin Docklands en Irlanda.

Fernando-Caruncho

Fernando Caruncho es un paisajista y filósofo internacional español. Famoso por sus jardines minimalistas y el uso de la luz y las formas orgánicas. Mientras estudiaba Filosofía, descubrió durante un seminario sobre la tragedia griega que el mundo antiguo tenía sus claves encriptadas dentro de la naturaleza. Desde entonces ha dedicado su vida al jardín. Un espacio, defiende, fundamental para que la arquitectura contemporánea reconecte sus obras con el entorno.

George Hargreaves  es Director de Diseño en Hargreaves Associates, donde se pone énfasis en la conexión entre la cultura y el medio ambiente a través del trabajo de la tierra para revelar los procesos naturales subyacentes. Destacado por su experiencia en la recuperación de sitios abandonados o abandonados para la ocupación pública, (Parque Olímpico de Sydney 2000), Hargreaves se ha caracterizado por traer el postmodernismo al mundo ecológico.

James Corner es un Arquitecto paisajista, diseñador urbano, y fundador de James Corner Field Operations. Corner es hoy en día un referente en la industria. Ha escrito libros sobre diseño de arquitectura paisajística y urbanismo, a la vez que ha sido reconocido con muchos elogios. Aunque probablemente más conocido por ser el cerebro detrás de la siempre exitosa High Line, otras obras importantes incluyen el Plan de Diseño Urbano Shenzen Qianhai, los Parques del Centro Cívico y, más recientemente, el Parque Olímpico Queen Elizabeth en el este de Londres, cuya inauguración está prevista para la primavera de 2014.

Gustafson Guthrie Nichol (GGN) sede en Seattle desde 1999 y  tiene un experiencia en arquitectura de paisaje, arquitectura, arte, ingeniería y ecología. GGN ofrece a sus clientes una amplia experiencia en el diseño de paisajes escultóricos de alto uso en contextos urbanos complejos. El trabajo de la empresa se basa en una profunda investigación de la historia, la ecología y las comunidades de cada sitio y varía en escala y tipo, desde el campus y los planes maestros hasta el mobiliario. Entre sus obras destacan el Museo Nacional de Historia y Cultura Afroamericana, el Jardín Lurie en el Parque del Milenio y el Campus de la Fundación Bill Gates.

Peter Walker posee un conocimiento del arte contemporáneo y del modernismo junto con una profunda reflexión sobre consideraciones históricas, culturales y ecológicas. PWP se centra en sedes corporativas, plazas, jardines culturales, campus académicos y proyectos de regeneración urbana. Su proyecto más reconocido últimamente es el National 9/11 Memorial, un bosque rodeado de robles que forma el núcleo del reconstruido World Trade Center de la ciudad de Nueva York.

Kongjian Yu (Turenscape) es un prolífico escritor, profesor y empleador de 600 arquitectos paisajistas. Su práctica, Turenscape, cubre la arquitectura paisajística y el diseño urbano a todas las escalas, y está impulsado por la urbanización masiva de China y los peligros de la degradación ambiental. Las obras de Turenscape, que encarnan lo rural y lo desordenado con el paisaje funcional en el ámbito urbano, han recibido numerosos premios internacionales de diseño. El diseño es un proceso colaborativo. Rara vez trabajan solos – múltiples socios aportan una serie de conocimientos y aportes creativos a la mesa.

Lawrence Halprin fue un influyente arquitecto paisajista, diseñador y profesor estadounidense. Comenzando su carrera en el área de la bahía de San Francisco, California, en 1949, Halprin colaboró a menudo con un círculo local de arquitectos modernistas en proyectos relativamente modestos. Estas cifras incluyen a William Wurster, Joseph Esherick, Vernon DeMars, Mario J. Ciampi y otros asociados con la UC Berkeley. Gradualmente acumulando una reputación regional en el noroeste, Halprin llegó a la atención nacional con su trabajo en la Feria Mundial de Seattle de 1962, el proyecto de reutilización adaptativa de Ghirardelli Square en San Francisco y el emblemático centro                                                                    comercial Nicollet Mall en Minneapolis.

Peter Josef Lenné nacido en 1789, este arquitecto paisajista prusiano es famoso por sus parques paisajísticos. Planeó y estableció más de 250 parques, en su mayoría palacios y jardines de castillos. Diseñó muchos parques en Potsdam, entre los que destacan el parque Sanssouci, el parque Babelsberg, el Tiergarten de Berlín y muchos otros. También podemos visitar sus parques en Frankfurt (Oder), Leipzig y Coblenza. Sus planes son característicos por sus espaciosos céspedes, sus atractivas vistas del paisaje circundante y sus pintorescos grupos de árboles y arbustos. Muchos sitios de la obra de Lenné son ahora Patrimonio de la Humanidad.

George Edward Kessler fue un urbanista y arquitecto paisajista pionero germano-americano. A lo largo de sus cuarenta y un años de carrera, George E. Kessler completó más de 200 proyectos y preparó planes para 26 comunidades, 26 sistemas de parques y bulevares, 49 parques, 46 fincas y residencias, y 26 escuelas. Sus proyectos se pueden encontrar en 23 estados, 100 ciudades, en lugares tan lejanos como Shanghai, Nueva York y la Ciudad de México. «La planificación», escribió Kessler, «debería ser integral. A pesar de que un gran diseño urbano sólo se puede realizar en pedacitos, y durante un largo período de años, siempre debemos saber hacia dónde vamos.

Gertrude Jekyll es una inspiración para las paisajistas. Con su ojo para el color y la sensibilidad de la forma, creó algunos de los jardines más hermosos del Reino Unido, Europa y los Estados Unidos. Nacida en Londres el 29 de noviembre de 1843, ya de niña se interesó por las plantas y los jardines. Estudió artes, colores, óptica y botánica – todos estos conocimientos demostraron ser beneficiosos en su vida posterior y en su trabajo. Trató el jardín como un lienzo, pintándolo con plantas de diferentes colores y texturas. Sin embargo, nunca dejó de elegir las plantas adecuadas para las condiciones, ya que su conocimiento de la botánica también era inmenso.

André Le Nôtre Nacido el 12 de marzo de 1613 en París, este paisajista francés tuvo una gran influencia en los jardines barrocos de Europa. Desde el principio de su carrera trabajó para la aristocracia y la realeza. Más tarde fue nombrado jardinero principal del rey Luis XIV. No cabe duda de su obra más famosa, los Jardines de Versalles, que diseñó y construyó para el rey Luis XIV. Otros proyectos interesantes son los jardines de Vaux-le-Vicomte, Fontainebleau y Greenwich Park en Londres. Los jardines de Le Nôtre son característicos de la altura del estilo de jardín formal francés e incluyen parterres, cuencas, fuentes, bosquetes y avenidas.

Lancelot  Brown fue un arquitecto paisajista británico. Nacido en 1716, diseñó y rediseñó más de 170 nuevos parques que rodean las mejores casas de campo y fincas de Gran Bretaña, entre otras en Croome Court, Blenheim Palace, Warwick Castle, Stowe y Milton Abbey. El implementó los grupos de árboles de diferentes alturas y le gustaban las líneas irregulares, suaves y curvas. Su objetivo en el diseño era copiar la naturaleza lo más cerca posible. Durante su vida y mucho después de su muerte en 1783, fue criticado por la constante «mejora» del paisaje y la destrucción de muchos de los jardines ingleses más antiguos y formales.